Mefisto o Mephisto, con sus diferentes etimologías, hay muchas más, es un arquetipo del mundo oscuro, o más bien del ultramundo que ha evolucionado como símbolo
de lo infernal en toda la literatura artística, desde el renacimiento hasta nuestros días. Como todo arquetipo que revela su lado simbólico no es Mefisto la encarnación del mal, yo lo interpreto como la lucha entre el sueño y la realidad, la fe y la racionalidad, el placer y el miedo a lo desconocido, por tanto, todo lo que significa el teatro, su sentido mismo como lugar en el que acontece el misterio de la propia existencia humana. Re-presentar, volver a presentar la vida de una manera completa y compleja, donde nada es blanco o negro y hay infinitos mundos posibles para representar nuestro inconsciente. Con Mefisto el inconsciente toma la escena, aunque a veces lo haga con humor, también.

“Somos de la misma substancia de la que están hechos los sueños”, dice Próspero, el personaje de la tragedia La Tempestad, de Shakespeare. También Pedro Calderón de la
Barca habla de los sueños y de la vida en su obra “Auto Sacramental” en el que apunta: ¿qué pasado bueno no es sueño? No creo que los demonios estén en otro lugar que no sea en el de los sueños despiertos, la naturaleza poética del arte y la energía de lo pagano que siempre ha sido fuente de inspiración. Los actores beben de esa fuerza para mostrar algo más en escena, trascender el “yo individual” para alcanzar la transformación en “otro”; encarnar la ficción del personaje. Yo busco también esa substancia y es lo que me interesa, esa pulsión en la que Eros y Thanatos se solapan para hacerse visibles ante el público.

Soy bastante concreta a la hora de trabajar, quiero decir, que cuando llega el
momento del ensayo tengo unas líneas o ideas bastante claras por las que debe discurrir el
montaje. Intento crear una atmósfera de armonía en el equipo, no soy de las que trabaja con
el látigo, con el dolor del actor, me interesa propiciar el estímulo, el razonamiento y la
originalidad desde la creatividad emocional e intelectual. Esto último es lo que más disfruto
del trabajo. Cuando conduces las emociones y encuentras un motor visible para expresarlas;
el cuerpo, la voz, la partitura, el trabajo encuentra un estilo, así se descubre lo que siempre
estuvo ahí, antes hubo que excavar mucho para encontrarlo.

Si, siempre que el tiempo y las condiciones de la producción lo permitan. Aunque la mayoría de los actores con los que trabajo tienen su propio método es muy importante
crear un entrenamiento diseñado específicamente para el estilo del montaje, orientado hacia una poética colectiva. Es como un trabajo coreogáfico grupal que precede al montaje pero que luego dejará su huella en el resultado final de la puesta en escena.

Una compañía es un estado de ánimo. Más allá del compromiso con el trabajo, que es imprescindible, me preocupa que todos estemos dando la misma respuesta al
estímulo. El estímulo es la obra, y cuando creamos en colectividad se genera una energía muy positiva que rubrica el proceso. También es necesario disfrutar, cuando llegamos a ese punto, hemos encontrado la inspiración que permite compartir la fiesta del teatro con el público. Eso es la honestidad, el primero de los valores en nuestro oficio.

No sé exactamente si hay una cualidad o sello en mi trabajo, no sé que pasa por la mente de los actores o bailarines cuando nos adentramos en un trabajo escénico, cómo me ven. Lo más difícil para mí es transmitir lo que quiero, porque todo está ordenado y desordenado a la vez en mi cabeza; entre anotaciones, borradores, separatas, tachaduras o añadidos, llega el día del estreno y aún puedo cambiar cosas sobre la marcha. Todo al final es embionario y se va conformando mediante la repetición, que es al final lo que hacemos, repetir, repetir, repetir…, a veces me dicen que repito demasiado, pero me gusta trabajar de lo macro a lo micro, y es ahí cuando surge lo que no encontrabas o no se revelaba hasta ese momento.

Creo que soy una directora muy técnica en ese sentido, paro y retrocedo hasta que encuentro la perspectiva que busco. Como tengo esa necesidad pedagógica a la hora de afrontar el trabajo, creo que si, que hay una huella metodológica en el proceso, aunque no sé hasta qué punto servirá a los artistas con los que he trabajado, más allá de nuestro encuentro, de nuestro viaje creativo en conjunto. Tengo que hacerles esa pregunta, ahora me dejas con la duda.

Como te decía, una compañía es un estado de ánimo, pero también lo es una clase. En ese sentido intento trabajar desde la humildad y el compromiso con las personas que tengo a mi alrededor. Busco generosidad, porque yo he sufrido la disciplina durante mi formación artística, no siempre, por supuesto, pero lo que al final dejó huella en mí fueron los
maestros que me dieron seguridad, los que abrieron mis ventanas y despertaron mi curiosidad a través de las emociones. El cerebro necesita emocionarse para aprender, es lo que dice la neurociencia, y yo siempre quiero aprender y que los alumnos lo hagan emocionándome mientras exponen un trabajo teórico o se esfuerzan por ser creativos. Es lo que busco desde el primer día, fortalecer la confianza y fomentar la alegría del saber, la libertad que viene dada por el conocimiento, el análisis, la lectura, todo lo que podemos transmitir desde la emociones crea puentes.

Ponerse en el lugar del otro, eso es siempre lo más difícil, pero nuestro oficio nos da ventaja en este sentido, el artista trabaja desde la multiperspectiva, con los cinco sentidos.
Desde mi punto de vista, la empatía es un sentimiento complejo en estos tiempos porque vivimos encerrados en la burbuja individual de la autosostenibilidad, aunque parezca lo
contrario en la apariencia que damos a través de nuestros perfiles en las redes sociales. Muchas veces lo empático se banaliza en una apariencia de felicidad y éxito personal, pero
detrás está la burbuja, y lo que no vemos es casi siempre una realidad que contradice lo que se muestra de nosotros. No soy de las que abusa de los audios de WhatsApp, prefiero llamar y hablar con la persona. Convivimos con la tecnología y saturamos nuestras comunicaciones del día a día, pero lo hacemos con inmediatez, velozmente, monosilábicamente, o sea, nos hemos dejado de escuchar.

El Teatro Clásico del Siglo de Oro es un tema que llevo investigando desde hace dos décadas. El teatro clásico, el sentido de lo clásico en el teatro, no como ortodoxia literaria o artística, sino como lugar de crecimiento, como extensión del pensamiento contemporáneo, lo que apunta hacia una huella histórica, el eco de la poesia (en el sentido platónico de hacer, crear), que en cada ciclo o periodo de la historia del arte y del teatro ha ido generando unos códigos precisos sin los cuales el arte de nuestro tiempo no sería lo que es.

La transmisión de ese conocimiento, y lo que me parece más fascinante, ha ido sufriendo transformaciones, desviaciones, apropiaciones e hibridaciones que han permitido al teatro contemporáneo seguir reflexionando sobre las ideas estéticas del barroco, pero desde una nueva perspectiva ideológica, sociológica y existencial. Seguimos dialogando con los clásicos porque nos interesa lo embrionario que hay en ellos.

Me tomo el proceso de adaptación del texto clásico con mucho respeto, no miedo, porque soy de las que piensa que no hay que tratar a los clásicos como monumentos
inexpugnables. Cuanto más estudio sobre el teatro áureo más expresividad encuentro en él, y el reto está en ser capaz de reorientar en mi estética esa ductilidad, esa fragilidad que es tan bella y que te lleva a reflexionar en infinitas posibilidades de representarlos.

Todos, pero en especial: Lope de Vega, Heiner Müller, Cocteau, Calderón de la Barca, Molière, Ionesco, Pirandello, Virgilio Piñera, Lorca, Giraudoux, Tennessee Williams…

El tiempo en el arte, si te refieres al tiempo vivido a través de la experiencia artística, cumple una función muy similar a lo que nos ocurre con nuestra experiencia vital. Se gana con la edad sí, por supuesto, es cierto que para los actores esto supone un cambio en la asignación de un determinado rol o personaje, porque a los 50 no das el estereotipo de un
joven galán, pero también se gana en madurez artística, en técnica, en verlas venir, por usar una expresión coloquial, cuando te enfrentas a un proceso y surgen problemas con los que ya te has encontrado años atrás, ver madurar a un actor es un proceso maravilloso.

No sabría darte una respuesta clara. El tema está ahí, es algo que está sucediendo y la pandemia ha acelerado nuevos procesos de digitalización en el arte que ya venían asomándose en el horizonte. En el último año hemos asistido a una eclosión del consumo de arte a través de las plataformas digitales, pero intuyo que el teatro no se hará digital en el sentido literal de la expresión. Creo que lo digital, lo tecnológico participa y participará cada vez más en la creación y producción de los espectáculos, hay que verlo como algo positivo, la irrupción de las nuevas tecnologías y del software de última generación son herramientas para indagar en las narrativas transmedia y crossmedia que pueden formar parte del acto vivo del espectáculo. Hay que mirar, por ejemplo, hacia los trabajos de las compañías que exploran estos territorios creativos: Rimini Protokoll, The Builders Association o el trabajo del artista interdisciplinar Matías Umpierrez.

No, no hay tal brecha, el cine y el teatro son lenguajes distintos y complementarios para la experiencia del espectador. Independientemente de sus procesos y técnicas de representación virtual, hemos visto, y vemos, teatro dentro del cine y cine dentro del teatro. El ejemplo está en las puestas en escena del cine de Fellini, Visconti, Pasolini o Lars
Von Trier, pero también en la videoescena que bebe de las técnicas de la fotografía y el montaje y están en el teatro de Piscator, Brecht o en los espectáculos de Thomas Ostermeier, por ejemplo.

Mi madre tuvo mucho que ver. Desde la adolescencia tuve acceso a libros de teatro, sobre todo a la literatura dramática. Me encantaba leerlos, mi madre trabajaba en la
biblioteca de un teatro y me pasaba horas escudriñando textos de Ibsen, Strindberg, Eliot, los clásicos griegos, Tennessee Williams, etc. Tuve un profesor de teatro a los 16 años, más o menos, un gran pedagogo, asistí a sus clases y empecé a enamorarme del teatro.

Muchos, pero hay alguno en particular que si lo confieso, igual no se cumple, es parte del esoterismo que rodea la profesión.

Stanislavsky hablaba de la verdad escénica, encontrar a través del método de las acciones físicas, del estudio teórico del texto, un camino en el que el personaje y el actor pudieran cohabitar, compartir el mismo espacio emocional, siendo este último capaz de hallar los trazos correctos en el estilo interpretativo.
Entender al personaje desde el texto es situarlo en su acción, en un estudio introspectivo que se puede constatar en las líneas de acción o líneas de fuerza que subyacen en el propio diálogo. Lo más importante, para situarnos en ese imaginario emocional, es la acción como motor del personaje. En ese engranaje es donde el actor conecta su expresividad y su creatividad emocional usando todos los registros.

Lo más difícil ha sido sortear la crisis provocada por la pandemia: cierre de los teatros, limitación de aforo, medidas de seguridad, restricciones y problemas de movilidad internacional. Todo el proyecto hubo que detenerlo por la llegada de la Covid-19 en 2020, ese era el año del centenario de Alicia Alonso, pero ha habido que pasar toda la programación
para el 2021.

Todo depende del tipo de proyecto. En este caso, por imperativo del programa, era imprescindible seleccionar a grandes figuras internacionales, tratándose de un homenaje a la gran bailarina y coreógrafa Alicia Alonso. El programa, cuando se trata del formato Gala, determina el tipo de bailarín o bailarina que se requiere, muchos de ellos ya tienen montadas las coreografías, sobre todo si se trata de grandes clásicos del ballet como son El lago de los Cisnes, Espartaco, Giselle o Carmen. En el caso del ballet, no se suele hacer un casting como en el teatro, la dirección artística y la gerencia acuerdan unos nombres, se contacta con las figuras y se concretan las fechas y condiciones para empezar a elaborar el espectáculo.

Técnica, creatividad y fuerza.

Ha sido un trabajo en equipo del que hemos aprendido todos. Gracias al esfuerzo y el empeño de la productora y gerente Mayda Bustamante, pero también a la sabiduría del
Maestro Orlando Salgado y los diseños del iluminador Rhazil Izaguirre Lobo. Luego está el trabajo encomiable del equipo técnico y de producción que son quienes hacen posible que todo funcione a la perfección en cada representación.

Me encanta viajar y hacer teatro, salir de tu zona de confort es muy necesario, confrontar con otros públicos, nuevas reacciones…, todo eso ayuda a madurar el trabajo escénico. Me encantaría hacer un clásico del Siglo de Oro en El Globe, Londres, por ejemplo. Sentir toda esa energía y mágica acumulada.

En estos momentos tengo poco tiempo para leer otros textos que no sean de técnica, teoría o literatura teatral, una pena, porque me encanta la novela y el ensayo, pero sigo leyendo poesía siempre que puedo, me encanta y me alimenta.

Con el paso de los años aprendes a elegir, a echar del camino lo que te quita luz, lo que no te aporta. En ese sentido, trato de mantenerme en armonía con mi círculo afectivo: pareja, familia, amigos, aunque sea reducido. Lo difícil en estos tiempos de “nueva normalidad pospandémica” es encontrar el espacio personal, el tiempo para el ocio y los placeres; como viajar, ir al mar, beber un buen vino o comer con los amigos. Al igual que muchos colegas de profesión dedico muchas horas a reuniones, conferencias, clases…, es difícil conciliar la vida familiar con el trabajo sin que te pasen factura el cansancio y el estrés.
Durante la pandemia lo he pasado muy mal, pero creo que como todos, hemos visto la muerte de cerca y nos hemos planetado la importancia de la libertad, la movilidad. De repente todo se detiene y estás confinado, no sabes qué hacer y empiezas a perder la noción del tiempo. Por suerte, parece que poco a poco vamos saliendo de esta dinámica y se ve la luz al final del túnel. Ahora es necesario que las vacunas lleguen a los países sin recursos, este problema es global y la solución es también global. Debemos ser mucho más generosos, es lo mejor que podemos ofrecer como civilización, y hay que hacerlo, de manera urgente.

No tengo un título preferido, pero sí me han conmovido especialmente ensayos y novelas de Mishima, Yourcenar, Süskind, Eco, Cervantes…

Se nos llama a las mujeres musas, pero cuando miro a las musas inspiradoras de los cuadros siempre las veo revoloteando sobre el hombro o la cabeza de un hombre, de un artista, lo cual no me parece mal, pero, ¿cuándo nos dibujarán o nos dibujaremos revoloteando sobre las cabezas de mujeres filósofas, escritoras, bailarinas, actrices, diseñadoras…? Por fin, creo que estamos despertando de ese letargo interesado que forma parte del relato incoherente de la historia, me alegra saber que hay una generación de directoras, coreógrafas, bailarinas, actrices, dramaturgas, creadoras escénicas que están revoloteando sobre sí mismas dispuestas a cambiar la fisonomía del arte.